Les Musicales de la Vallée-aux-Loups

Sinfonietta Cracovia

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-11-09T17:00:00Z

Le Sinfonietta Cracovia s'illustre par sa musicalité et son engagement artistique audacieux depuis 1990, sous la baguette de son chef charismatique Jurek Dybał.

Avec ce concert organisé à l'occasion des 40 ans des Musicales de la Vallée-aux- Loups, l'ensemble rend d'abord hommage à deux grands noms de la musique polonaise.

Krzystof Penderecki est ainsi un soutien de la première heure du Sinfonietta Cracovia, à qui il a confié la création de nombre de ses œuvres. Sa Sinfonietta nº 2 fait intervenir le timbre chaud et velouté de la clarinette de Michel Lethiec, tandis que la troisième est une vaste rhapsodie d'inspiration autobiographique.

Wojciech Kilar, pour sa part, s'est particulièrement illustré dans la musique de film et a travaillé avec Roman Polanski, Francis Ford Coppola ou encore Jane Campion ; son poème symphonique Orawa évoque en particulier certaines danses populaires de son pays natal.

Enfin, ce fascinant programme est complété par l'élégante Sérénade, op. 22, d'Antonin Dvořák, d'une expression tour à tour lyrique, espiègle et fougueuse.

Krzysztof Penderecki (1933-2020)
Sinfonietta nº 2 pour clarinette et cordes « Farewell »

***

Krzysztof Penderecki (1933-2020)
Sinfonietta nº 3

"Leaves of an Unwritten Diary"
(Feuilles d'un journal non écrit)

***

Antonín Dvořák (1841-1904)
Sérénade pour cordes en mi majeur B. 521 (opus 22)

***

Wojciech Kilar (1932-2013)
Orawa

***
Co-financed by the Minister of Culture, National Heritage and Sport from the Culture Promotion Fund.

Jean-François Zygel

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-02-23T13:16:48Z

« Victor Hugo, paroles et musique »

Jean-François Zygel, composition, paroles et piano

Un récital d'improvisation étonnant qui rendra hommage au grand Victor Hugo, à ses légendes, à son souffle, à ses visions, à son humour aussi. Des Orientales aux Misérables, de Notre-Dame de Paris à La Légende des siècles, des Contemplations aux Châtiments, Jean-François Zygel transfigurera en musique le verbe immense et mouvementé du plus célèbre des poètes français.

« Le pianiste et compositeur est avant tout maître de l'improvisation » Le Figaro

L'artiste

Jean-François Zygel

Jean-François Zygel occupe une place singulière dans le monde musical :

Pianiste et compositeur, il est un maître reconnu de l'improvisation, cet art de l'invention et de l'instant.

Son éclectisme et sa curiosité le mènent à partager régulièrement la scène avec des artistes de tous horizons : Michel Portal, Ibrahim Maalouf, Bobby McFerrin, Gabriela Montero, Chilly Gonzales, Didier Lockwood, Abd Al Malik, Médéric Collignon, André Manoukian, Jacky Terrasson, Art Point M, Raphaëlle Boitel, Dan Tepfer, Thomas Enhco, Sly Johnson, Kaori Ito…

Pour la saison 2020-2021, ses projets mêleront improvisation, composition et répertoire, avec comme principaux ports d'attache La Seine Musicale, dont il vient d'être nommé artiste associé, l'Orchestre national du Capitole de Toulouse et la Philharmonie Luxembourg, où il est en résidence pour la septième saison consécutive.

Apprécié du grand public pour son travail d'initiation à la musique classique à la radio et à la télévision, Jean-François Zygel est également renommé en France et à l'étranger comme l'un des meilleurs spécialistes de l'accompagnement en concert de films muets.

Il transmet son art de l'improvisation dans sa classe du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, engageant de nombreux partenariats avec des institutions comme le Forum des Images, le Centre Pompidou, la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé ou la Cinémathèque française.

Après la parution d'un disque intitulé tout simplement Improvisations (naïve), il remporte plusieurs récompenses avec Double Messieurs (naïve), un album enregistré en duo avec le grand pianiste de jazz français Antoine Hervé. Son dernier opus, L'Alchimiste, un alliage subtil entre chanson française et piano classique, est récemment paru chez Sony.

« De rares comédiens, dit-on, sont capables de captiver un auditoire en récitant l'annuaire du téléphone. Sans être comédien, Jean-François Zygel pourrait, à coup sûr, réussir pareille prouesse. » Le monde

« Un maître de l'improvisation, cet art de l'invention et de l'instant. » Charente Libre

Emmanuelle Bertrand

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-02-23T13:16:45Z

Emmanuelle Bertrand nous délecte avec un programme autour de Bach.

Emmanuelle Bertrand, violoncelle

Son enregistrement récent des Suites, ovationné par la critique, nous donna un aperçu admirable de l'intelligence et de la musicalité de cette violoncelliste hors du commun. Ce concert promet alors un moment de grâce dont l'interprétation émouvante de cette musique sublime ne saurait laisser insensible.

« Le son se montre très riche, ample, appuyé sur un grave rocailleux, mais le geste demeure toujours cursif, aérien (les préludes, y compris celui de la Suite n°4). Les courantes partent d'un pied léger tandis que les gigues n'hésitent pas à marquer les appuis, sans lourdeur. Sans lourdeur ni pathos sont également abordées les sarabandes dans lesquelles se déploient la "polyphonie virtuelle" recherché par l'artiste. Emmanuelle Bertrand a ménagé le grain du son, la densité du bois, l'élan chorégraphique et la contemplation "sans rien (...) qui pèse ou qui pose » Classica, Octobre 2019 - 5 étoiles

Suite pour violoncelle nº 3
Suite pour violoncelle nº 4

Les artistes

Emmanuelle Bertrand

Personnalité rayonnante et généreuse, Emmanuelle Bertrand est reconnue comme une figure incontournable du violoncelle européen.

Elue « artiste de l'année » en France par le magazine Diapason et les auditeurs de France Musique (2011), Diapason d'Or de l'année pour son disque Le violoncelle parle, elle a été révélée au grand public par une Victoire de la Musique en 2002. En 2017 l'Académie des Beaux-Arts lui décerne le prestigieux Prix d'Interprétation Simone et Cino Del Duca.

Après ses études aux Conservatoires Supérieurs de Lyon et Paris, elle reçoit de nombreuses distinctions : lauréate du Concours International Rostropovitch, Premier Prix du Concours de Musique de Chambre du Japon, Prix de l'Académie Internationale Maurice Ravel...

Dès 1999 elle travaille avec le compositeur Henri Dutilleux qui parle d'elle comme d'une « véritable révélation ». Elle est dédicataire d'œuvres de Nicolas Bacri, Édith Canat de Chizy, Pascal Amoyel, Bernard Cavanna, Benoit Menut ou Thierry Escaich. Elle a également donné en première mondiale Chanson pour Pierre Boulez de Luciano Berio.

En tant que soliste, on a pu l'entendre notamment avec l'Orchestre Symphonique de Lucerne, l'Orchestre Symphonique du Grand Montréal, l'Orchestre National d'Ukraine, l'Orchestre Symphonique d'Etat de Moscou, le BBC National Orchestra of Wales, l'Orchestre Symphonique de Busan (Corée), l'Orchestre Musica Vitae de Suède, l'Orchestre Symphonique de Québec, l'Orchestre Symphonique de Lucerne, l'Orchestre Symphonique de la RTV de Slovénie, l'Orchestre Symphonique de Wuhan (Chine), les Orchestres Nationaux de Lille, d'Ile de France, de Lorraine, les Orchestres Philharmoniques de Strasbourg, de Monte Carlo...

Ses enregistrements parus en solo et en duo avec le pianiste Pascal Amoyel ont tous été récompensés par la critique nationale et internationale (Gramophe, ffff Télérama, Cannes classical award, Diapason d'or…).

Elle est directrice artistique du Festival de violoncelle de Beauvais depuis 2012.

Son dernier disque consacré à l'Intégrale des Suites de Bach sur violoncelle baroque est paru à l'automne 2019 (Harmonia Mundi).

Trésors de la musique vocale sacrée et profane

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-02-23T13:16:41Z

Ensemble Vocal Tarentule - Quatuor vocal a cappella

Sterenn Boulbin, soprano
Cecil Gallois, contreténor
Xavier de Lignerolles, ténor
Jean-Bernard Arbeit, baryton/basse

Les voix a cappella de ce programme somptueux résonnent encore dans les grands monuments sacrés. C'est au XVI^e siècle que les compositeurs italiens donnent leurs lettres de noblesse aux genres polyphoniques et traduisent à travers eux la puissance de la foi et de la spiritualité chrétienne. Chaque partition est une expression religieuse magnifiée et constitue des bijoux musicaux faits de complexité et d'harmonies audacieuses. Qu'ils soient des lamentations, des messes ou des madrigaux, leur force expressive trouve une résonance intérieure qui touche l'âme les auditeurs de tous les temps.

Œuvres de Clément Janequin, Claudio Monteverdi, Giaches de Wert, Roland de Lassus, Nicolas Bacri, Orlando, Di Lasso…

Les artistes

Ensemble Tarentule

Voir en ligne : https://www.ensembletarentule.com/

L'Ensemble Tarentule et la musique polyphonique a cappella.

L'Ensemble Tarentule, créé en 2012 par Cecil Gallois et Xavier de Lignerolles, issus du CMBV (Centre de Musique Baroque de Versailles) et du CNSM de Paris, est constitué de 5 chanteur(se)s.

L'Ensemble effectue un travail de recherche et de diffusion sur l'interprétation de la musique polyphonique a cappella. Cette exploration, envisagée par le prisme du madrigal de la fin du XVI^e siècle, se prolonge et s'enrichit par la création d'un répertoire contemporain, en lien avec les compositeurs d'aujourd'hui.

Depuis 2014, l'Ensemble a été demi-finaliste au Concours international Van Wassenaer à UTRECHT, en résidence à la Cité de la Voix de Vézelay, au Festival Musical de NAMUR (Belgique).

En 2016, il a donné la comédie madrigalesque d'Adriano Banchieri « Barca di Venetia per Padova » au Grand Théâtre de Calais et à Buis-les-Baronnies (26), mise en scène par Alexandra Lacroix.

Dans le cadre d'un documentaire sur les soeurs trappistines de l'Abbaye ND de la Paix à Chimay (Belgique), intitulé « Silences et Eternité, les soeurs trappistines de Chimay », l'Ensemble TARENTULE enregistre la partie musicale, signée Stéphane Orlando.
Dès lors, ils sont repérés par différents compositeurs actuels qui leur écrivent des pièces a cappella.

Depuis 2018, de nombreux projets emmènent l'Ensemble Tarentule à se produire dans des lieux insolites et sur des programmes très variés, du Musée Eugène Delacroix à Paris au Musée des Confluences et Musée des Beaux-Arts à Lyon, ou pour la fête de la Musique 2019 à Bruxelles (Abbaye de Forest)…
L'Ensemble Tarentule a été en masterclasse à la Fondation Giorgio Cini de Venise (Italie), début octobre 2019, sous la direction de Peter Philipps, pour un programme anglais Messe, motets, psaumes milieu XVI^e autour de Taverner, Tye et Sheppard.

Leur premier enregistrement est sorti chez Musicube pour le disque « Cartography of senses » de Bruno Letort où ils interprètent sa pièce « Absence ». Ils ont aussi créé la pièce « S'un casto amor » de Gérard Zinsstag, éditée chez RICORDI.

De nombreux Festivals sont à venir tout au long de l'année 2020 : Labeaume en Musique (Ardèche), les Festivals Pâques Musicales d'Eze, L'Eure poétique et musicale, Les Musicales du Luberon, le Festival Déodat de Séverac, les Nuits Musicales en Armagnac, les Théophanies, Festival Hirondelle, FestyVocal… ainsi qu'un enregistrement de disque…

Loco Cello invite Biréli Lagrène

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-02-23T13:16:31Z

Quatre interprètes virtuoses et une légende du jazz manouche

François Salque, violoncelle
Biréli Lagrène, Samuel Strouk & Adrien Moignard, guitares
Jérémie Arranger, contrebasse

Directeur artistique du Festival du Val d'Aulnay, le violoncelliste François Salque nous fait découvrir l'une de ses dernières aventures musicales : Loco Cello, un quatuor de haut vol qui fait rimer jazz et musique de chambre. Ce soir, la formation s'adjoint la présence d'un invité de marque : le guitariste Biréli Lagrène, véritable légende du jazz manouche !

Ensemble, ces cinq créateurs reprendront des œuvres de Django Reinhardt, Astor Piazzolla ou Stéphane Grappelli pour célébrer l'union de différentes traditions musicales. Du tango au jazz, du répertoire classique aux musiques du monde, des thèmes traditionnels d'Europe centrale aux musiques actuelles, un moment unique et jubilatoire !

« Le plus libre de tous les successeurs de Django, Biréli Lagrène joue avec l'impossible. » Le Monde, 2019

« François Salque est aussi à l'aise dans la musique de chambre de Brahms que dans le jazz ou le tango. » France Musique, 2019

Œuvres de Django Reinhardt, Biréli Lagrène, Antonio Carlos Jobim, Samuel Strouk, Astor Piazzolla, Stéphane Grappelli…

Les artistes

Loco Cello

Un quatuor à cordes des temps modernes.

François Salque « Un charisme et une virtuosité exceptionnels » - Pierre Boulez Ses concerts l'ont déjà mené dans plus de soixante-dix pays et ses disques en soliste et en musique de chambre en compagnie de Paul Meyer, Emmanuel Pahud, Eric Le Sage ou Alexandre Tharaud ont été salués par la presse (Diapasons d'Or de l'année, Chocs du Monde de la Musique, 10 de Répertoire, Prix de l'académie Charles Cros, Victoires de la Musique, Palme d'Or de la BBC...). Sa profondeur musicale, sa technique et son éclectisme en ont fait une personnalité incontournable du monde de la musique.

Samuel Strouk est un compositeur, guitariste, directeur musical et directeur artistique français. Investi dans de nombreux projets, il est le directeur musical, l'arrangeur et le réalisateur du projet Trintignant Mille Piazzolla qui a obtenu le Grand Prix de l'Académie Charles Cros 2018 (Sony Music – Masterworks). En tant que compositeur et orchestrateur il a collaboré avec de nombreux orchestres symphoniques français et étrangers. Il a très récemment créé une commande de Radio France, au studio 104 de la Maison de la radio avec l'Orchestre National de France et Lambert Wilson, dans le cadre d'un très remarqué hommage à Léonard Bernstein.

Jérémie Arranger est le contrebassiste i n c o n t o u r n a b l e de la scène jazz manouche en France et à l'étranger. Aux côtés des guitaristes Adrien Moignard, Sébastien Giniaux, Noé Reinhardt, ou encore Rocky Gresset, il participe à la création de projets comme l'ensemble ZAITI et SELMER 607 qui font aujourd'hui fgures de référence en la matière. Ses qualités musicales font de lui un accompagnateur très demandé et de nombreux solistes de renom (Biréli Lagrène, Stochelo Rosenberg, Didier Lockwood, Romane, Angelo Debarre...) font régulièrement appel à lui.

Adrien Moignard est assurément un des plus brillants guitaristes de sa génération, cette guitare française qui nous vient en droite ligne de Django Reinhardt. Mais l'imaginaire qui nourrit son art, s'il n'ignore rien de celui de Django, s'alimente également à d'autres sources. Aux cotés de Didier Lockwood durant les dernières années de la carrière du maitre, il est aujourd'hui régulièrement l'invité de Biréli Lagrene, Stochelo Rosenberg, Angelo Debarre, Cyrille Aimée...

Biréli Lagrène

Voir en ligne : https://bireli-lagrene.fr/

Qui est aujourd'hui, l'enfant prodige que fut Biréli Lagrène ?

Un merveilleux musicien, un magicien de la guitare parmi les plus éblouissants, un “chorégraphe” de la six-cordes comme on les compte actuellement sur les doigts d'une main.

Biréli Lagrène est un guitariste de jazz issu d'une famille de culture manouche, il apprend auprès de son frère et de son père le répertoire de Django Reinhardt.

Il devient rapidement un virtuose de la guitare et rencontre Stéphane Grappelli, un illustre violoniste de jazz du 20^e siècle. Outre les concerts avec le violoniste, au cours de son adolescence, Biréli prend part à quelques tournées en compagnie d'artistes de renom comme Benny Carter, le contrebassiste danois Niels-Henning Ørsted Pedersen, et bien d'autres encore.

Son style évolue au fil des années et de ses rencontres. A ses débuts, la touche Reinhardt se fait ressentir, mais assez rapidement le jeune guitariste découvre de nouveaux horizons avec des musiciens tels que Jimi Hendrix et George Benson, et un nouveau courant musical : le jazz fusion.

Sa rencontre avec le bassiste américain Jaco Pastorius en 1985 l'invite à s'améliorer en tant que bassiste, instrument sur lequel Biréli peut parfois jouer en concert. Quatre années plus tard, il forme en compagnie de Larry Coryell et de Al di Meola un trio de guitaristes hors pair.

Du côté de ses albums, Biréli Lagrène s'essaie à plusieurs univers, une période acoustique avec l'album Acoustic Moments en 1990, une époque jazz fusion avec les albums Inferno et Foreign Affairs en 1988 et 1989, et une réinterprétation des standards de jazz en 1992 avec l'album Standards. A nouveau en 1994, il compose un trio avec cette fois-ci Chris Mink Doky et André Ceccarelli, l'ancien batteur des Chats Sauvages.

Les années 90 seront pour Biréli celles de la reconnaissance et de la consécration, obtenue en jouant les standards (“Live in Marciac”, 1994).

Django d'Or en 1993, Victoire de la Musique en 2001 et en 2002, Biréli collectionne les trophées et relève à l'aube des années 2000 un incroyable défi : rejouer la musique de ses origines tout en demeurant lui-même.

Exercice de haute voltige et prouesse véritable, l'épopée du “Gipsy Project” est un triomphe. Biréli se tourne alors vers de nouveaux rivages, plus proches du blues, pour un homme définitivement “en mouvement”.

En 2012, le ministre de la Culture Frédéric Mitterrand, le décore Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres, récompense qui consacre Biréli Lagrène dans son domaine artistique de prédilection, la musique.

Depuis 2015, Lagrène alterne entre le Gipsy Project et le quartet d'Antonio Farao.

François Salque

Voir en ligne : http://www.salque.com/

« Un souffle extraordinaire » Concerto.net

Diplômé de l'université de Yale et du Conservatoire de Paris, François Salque est, très jeune, primé dans les concours internationaux (Genève, Tchaïkovski, Munich, Rostropovitch, Rose...). « La sensibilité et la noblesse de son jeu » alliées à « un charisme et une virtuosité exceptionnelle » (Pierre Boulez) lui permet de remporter pas moins de dix premiers prix et autant de Prix spéciaux.

Ses concerts l'ont déjà mené dans plus de soixante-dix pays et ses disques en soliste et en musique de chambre partagés avec des musiciens tels que Renaud Capuçon, Emmanuel Pahud, Eric Le Sage ou Alexandre Tharaud ont été salués par la presse (Diapasons d'Or de l'année, Chocs du Monde de la Musique, 10 de Répertoire, Prix de l'académie Charles Cros, Victoires de la Musique, Palme d'Or de la BBC…).
François Salque signe également sept disques remarqués avec le quatuor Ysaÿe dont il a été pendant cinq ans le violoncelliste. Son engagement pour la musique de notre temps lui a valu de nombreuses dédicaces de compositeurs contemporains, notamment de Jean-François Zygel, Thierry Escaich, Karol Beffa, Nicolas Bacri, Jean-Frédéric Neuburger, Krystof Maratka, JeanBaptiste Robin ou encore Bruno Mantovani. Il est également à l'origine de très nombreuses créations, mêlant inspirations contemporaines, jazz et musiques traditionnelles et enregistre deux albums particulièrement originaux en duo avec le célèbre accordéoniste Vincent Peirani.
François Salque enseigne aujourd'hui au Conservatoire de Paris (CNSMDP) et à la Haute École de musique de Lausanne (Hemu). Sa profondeur musicale, sa technique et son éclectisme en ont fait une personnalité incontournable du monde de la musique.

L'année 2019 a été particulièrement intense et a vu la concrétisation de nombreux projets de cet artiste au parcours riche et atypique :

la sortie du CD Mirare avec la pianiste Claire-Marie Le Guay consacré à Schubert
la sortie de l'album Loco Cello, son nouveau projet (violoncelle, deux guitares et contrebasse) entièrement dédié aux créations mêlant inspirations romantiques, musiques folkloriques et jazz contemporain
de très nombreux concerts en soliste et en musique de chambre en Amérique du Sud (quatuor Modigliani), en Chine, au Japon et bien sûr en France dont le concerto de Dvorak avec l'Orchestre Symphonique de l'Oural, en ouverture de La Folle Journée de Nantes.

L'année 2020 verra notamment la sortie de pas moins de dix CDs (!) consacrés à l'intégrale de la musique de chambre de Brahms en compagnie de Pierre Fouchenneret, Sarah Nemtanu (super soliste de l'Orchestre National de France), Lise Bertaud (tous trois musiciens de son quatuor Strada), intégrale ayant aussi fait l'objet de concerts captés par la chaine Mezzo.

« Un musicien particulièrement sensible qui interprète la musique de notre temps avec une grande intelligence » Henry Dutilleux

« François Salque est impérial dans tout ce qu'il approche » Diapason

« Fantaisie et liberté. Son glorieux et maîtrise totale… Un Salque aux phrasés vibrants et intenses. » Diapason

« François Salque est exceptionnel dans toutes ses interprétations » Sud-Ouest

« Les coups d'archet de François Salque sont souples, énergiques et précis à la fois. La grande fluidité mélodique se conjugue avec des rythmes pleins d'ardeur. » Resmusica

« François Salque montra une technique supérieure, une maîtrise et une qualité de son alliées au génie de l'interprétation qui en fait l'un des plus indiscutables musiciens actuels. » Jean-Guillaume Lebrun (magazine En Concert - critique d'un concert au Théâtre du Châtelet)

Carte blanche à Marina Chiche

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-02-23T13:16:29Z

Carte blanche

Marina Chiche, violon
Anna Sypniewski, alto
François Salque, violoncelle

L'immense talent musical de Marina Chiche s'exprime dans les domaines les plus variés – pour notre plus grand bonheur

Violoniste émérite, plusieurs fois nominées au Victoires de la Musique Classique, Marina Chiche partage son amour de la musique avec le plus grand nombre, notamment sur les ondes de France Musique, où elle succède à Frédéric Lodéon en 2020.

Si le Récitatif et Scherzo de Kreisler lui donnera matière à déployer toute sa virtuosité, ce programme met aussi en avant ses qualités d'écoute au côté de solistes de très haut vol. De la fougue du jeune Beethoven à la modernité ironique de Ravel, en passant par la majesté de la célèbre Passacaille de Haendel, ce tour d'horizon, par sa richesse et sa diversité, est à l'image de ces trois artistes accomplis. Mais il ne saurait être complet sans donner aussi la parole aux compositeurs actuels : une création mondiale spécialement écrite pour Les Musicales de la Vallée-aux-Loups par le compositeur et remarquable saxophoniste Vincent Lê Quang vient ainsi apporter à l'ensemble un savoureux contrepoint aux influences jazzistiques.

Beethoven, Trio opus 9 en mi bémol majeur
Kreisler, Récitatif & Scherzo-Caprice
Maurice Ravel, Sonate pour violon et violoncelle
Vincent Lê Quang, Création mondiale pour violon et violoncelle
Haendel, Passacaille !

Marina Chiche « Un violon au top ! » Le Monde

Les artistes

Marina Chiche

Voir en ligne : https://www.marina-chiche.com/

Depuis l'âge de trois ans, entre Marina Chiche et son violon, c'est une histoire d'amour.

A 4 ans elle entre au Conservatoire de Marseille et est admise « Première nommée » au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris à l'âge de 16 ans.

Elle se forme auprès d'éminents professeurs, est admise dans les meilleures classes de violon européennes et se perfectionne auprès des maitres les plus réputés, tels que Leonidas Kavakos à Athènes et Ferenc Rados à Budapest.

Marina Chiche remporte de nombreux prix tels que le Premier prix du concours Menuhin en 2000, la Révélation classique de l'ADAMI 2003, la Révélation instrumentale en 2004 et en 2005 aux Victoires de la musique classique. Elle est également finaliste du concours Nouveaux Talents de l'Union des radios européennes en 2005. Son premier disque ainsi que son disque solo en 2008 sont aussi récompensés.

Elle se produit en concert avec des orchestres français et est accueillie par les plus grandes scènes telles que le Théâtre des Champs Elysées, l'Opéra de Marseille ou encore le Palais des Festivals à Cannes. Elle poursuit également sa carrière à l'internationale qui l'amène sur les grandes scènes d'une trentaine de pays dont l'Allemagne, l'Angleterre, Israël, le Japon, la Chine, Cuba.

Avec une vingtaine de concertos à son répertoire, elle est aussi à l'aise dans le répertoire contemporain que dans l'interprétation historiquement informée.

A l'été 2018, après dix ans à l'étranger, Marina Chiche rentre en France et donne un nouveau tournant à sa carrière : elle veut transmettre et partager tout ce qui l'a enrichie dans la pratique de son art. Elle crée un blog suivi par 4000 followers, anime des ateliers à Sciences Po et en 2019, France Musique lui confie une série d'été de huit fois une heure consacrée à la violoniste Ginette Neveu. Durant l'été 2020, une saison 2 permet à Marina Chiche de rendre visibles ces femmes exceptionnelles. En février 2020, son disque « Post-scriptum » est un hommage aux grands violonistes Jascha Heifetz et Fritz Kreisler et est très bien accueilli par la presse.

Pendant le confinement du printemps 2020, Marina Chiche crée un atelier quotidien en ligne sur Facebook, très suivi, où elle joue et présente des œuvres. En Juin 2020, elle est invitée à jouer en soliste pour le concert du Gouverneur Militaire de Paris dans la Cour d'honneur des Invalides.

A la rentrée 2020, France Musique lui confie la succession de Frédéric Lodéon dans sa mythique émission le dimanche de 14h à 16h. Marina Chiche se bat pour que la musique classique et contemporaine fasse partie intégrante de la culture de tous, et saisit chaque occasion pour lier musique et société, par exemple lors du Tour de France ou lors d'une Spéciale élections américaines… Elle est sélectionnée pour rejoindre la promotion de Young Leaders de la French-American Foundation 2020.

Les concerts de Marina Chiche sont régulièrement captés et diffusés par France Musique, Radio Classique, BBC3, NHK et elle a été accueillie par de nombreux médias.

Plusieurs concerts sont prévus en 2021 dont le point commun est sa volonté farouche de rendre la musique classique accessible à tous, d'aider à une plus grande reconnaissance des femmes interprètes et d'inciter les jeunes à oser la musique classique. Dernière bonne nouvelle : la fondation Zilber-Vatelot-Rampal a confié à Marina Chiche un magnifique violon de Guadagnini 1784.

François Salque

Voir en ligne : http://www.salque.com/

« Un souffle extraordinaire » Concerto.net

L'année 2019 a été particulièrement intense et a vu la concrétisation de nombreux projets de cet artiste au parcours riche et atypique :

la sortie du CD Mirare avec la pianiste Claire-Marie Le Guay consacré à Schubert
la sortie de l'album Loco Cello, son nouveau projet (violoncelle, deux guitares et contrebasse) entièrement dédié aux créations mêlant inspirations romantiques, musiques folkloriques et jazz contemporain
de très nombreux concerts en soliste et en musique de chambre en Amérique du Sud (quatuor Modigliani), en Chine, au Japon et bien sûr en France dont le concerto de Dvorak avec l'Orchestre Symphonique de l'Oural, en ouverture de La Folle Journée de Nantes.

« Un musicien particulièrement sensible qui interprète la musique de notre temps avec une grande intelligence » Henry Dutilleux

« François Salque est impérial dans tout ce qu'il approche » Diapason

« Fantaisie et liberté. Son glorieux et maîtrise totale… Un Salque aux phrasés vibrants et intenses. » Diapason

« François Salque est exceptionnel dans toutes ses interprétations » Sud-Ouest

« Les coups d'archet de François Salque sont souples, énergiques et précis à la fois. La grande fluidité mélodique se conjugue avec des rythmes pleins d'ardeur. » Resmusica

Anna Sypniewski

Née en 1999 dans une famille nombreuse de musiciens, Anna Sypniewski débute l'alto au Conservatoire de Toulouse, sa ville natale, dans la classe de Valérie Apparailly, en bénéficiant régulièrement de l'enseignement de Michel Michalakakos. Elle y obtient son Prix avec les Félicitations du jury. En 2016, Anna est admise à l'unanimité au Conservatoire national supérieur de Musique de Paris, où elle étudie actuellement en master dans la classe de Jean Sulem. Au cours de son cursus, elle est amenée à travailler auprès de Marc Desmon et Adrien La Marca ainsi qu'avec François Salque et Claire Désert en musique de chambre. Elle a reçu les conseils, lors de diverses masterclasses, de Lise Berthaud, Miguel da Silva, Françoise Gnéri, Barbara Westphal, Tatjana Masurenko, du Quatuor Modigliani, du Quatuor Ébène…

Passionnée de musique de musique de chambre, Anna joue au sein du Trio Sypniewski avec ses sœurs Caroline et Magdalena en trio à cordes, ainsi que dans diverses formations lors de nombreux festivals de musique de chambre tels que le Festival Jeunes Talents, Jeudis musicaux de Royan, Musique à Versailles, Festival Ysaÿe's Knokke, Festival Debussy, Chapelle des Jésuites à Carcassonne, les Rencontres Franco Américaines, Festival de l'Orangerie de Sceaux, aux Instants de Grasse, Notes d'été a Irancy.. elle joue au sein de la troupe du Centre de Musique de Chambre de Paris, sous la direction artistique de Jerome Pernoo.

Anna prend part à plusieurs expériences d'orchestre. Elle est académicienne de l'Orchestre de Paris, puis de l'Orchestre Philharmonique de Radio France. Elle participe en juillet 2019 à l'Evian Chamber Orchestra, leadé par le Quatuor Modigliani dans le cadre des Rencontres Musicales d'Evian

Elle remporte à l'âge de 15 ans le 1^er prix au Concours national des Jeunes Altistes et reçoit le prix spécial de la ville de Ciboure à l'Académie internationale de Musique Maurice Ravel.

Emmanuel Rossfelder

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-02-23T13:16:19Z

Récital de guitare

Emmanuel Rossfelder, guitare

Emmanuel Rossfelder, guitariste d'exception, Révélation soliste Instrumental aux victoires de la musique 2006, transforme chacun de ses récitals en un moment de partage et de sensualité. À travers les joyaux du répertoire, il nous propose un récital virtuose et puissamment expressif qui nous fera voyager dans un jeu d'ombres et de lumière, de la poésie d'un jardin andalou au charme envoûtant des trottoirs de Buenos Aires...

« Sa maîtrise musicale, sa gaieté contagieuse rappellent combien la guitare peut être enthousiasmante… Ses concerts sont de surprenants voyages musicaux. » Classica

Œuvres de Tárrega, Granados, Paganini, Weiss, Mertz…

L'artiste

Emmanuel Rossfelder

Voir en ligne : https://www.emmanuelrossfelder.net/

« Sa maitrise musicale, sa gaieté contagieuse rapellent combien la guitare peut être enthousiasmante... Ses concerts sont de surprenants voyages musicaux. » Classica

A trois ans ses parents lui offrent une petite guitare en plastique qu'il met vite au rebut, plus attiré par la guitare « sèche » de sa mère, elle-même musicienne. Dès l'âge de cinq ans il débute la guitare classique, instrument qu'il dira plus tard avoir choisi pour ses courbes et sa sonorité. Ses parents entretiennent son goût pour la musique et l'encouragent sans relâche dans les cours de guitare qu'il suit assidûment. Son étonnante facilité, sa motivation, son caractère enjoué et communicatif le conduisent rapidement à donner ses premiers concerts...

A 14 ans, après avoir obtenu la Médaille d'or à l'unanimité avec les félicitations du jury au Conservatoire National d'Aix en Provence dans la classe de Bertrand Thomas, il devient le plus jeune guitariste jamais admis dans la classe d'Alexandre LAGOYA au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Dès lors une relation privilégiée s'instaure entre le Maître et l'élève. Il voue une admiration sans bornes à son professeur qui en retour lui prodigue un enseignement fondé sur une technique spécifique de la main droite qu'il avait élaborée avec Ida PRESTI. En 1991 et 1992, il obtient deux premiers prix à l'unanimité au CNSM de Paris (guitare et musique de chambre).

« Emmanuel offre à la guitare une sonorité puissante, de la virtuosité, de l'émotion et une fantaisie qui font déjà de lui un grand artiste. » Alexandre LAGOYA

Ses premiers pas dans les concours internationaux lui permettent de se distinguer, notamment en 1993, en obtenant le 1^er prix du FMAJI ainsi que le prix spécial Pierre Salvi. Puis il est lauréat de la Fondation d'Entreprise Groupe Banque Populaire en 1998, « Découverte Classica » en 2001, « Révélation Classique » par l'ADAMI en 2002, et « Victoire de la Musique Classique » en 2004 Catégorie Révélation Soliste Instrumental de l'année.

Mais son bonheur de concertiste n'est complet que devant le public auquel il fait découvrir toutes les possibilités de la guitare depuis plus de 25 ans sur les plus grandes scènes françaises et européennes, mais également au Japon, en Corée, au Brésil, en Argentine, en Afrique, aux USA...

Emmanuel Rossfelder a déjà enregistré les grands concertos pour guitare de Joaquin Rodrigo et un certain nombre de disques pour guitare seule, dévoilant ainsi le répertoire de son instrument. L'année 2019 sera marquée par la sortie du CD « Carnets de voyage » avec un programme musical basé sur de nombreuses transcriptions originales, et dont le succès auprès du public lui permettra d'accomplir une tournée mondiale aux côtés du quatuor MODIGLIANI, de la soprano Raquel CAMARINHA ainsi que du Bandonéoniste Víctor VILLENA.

Un après-midi à l'opéra

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2021-02-23T13:16:15Z

Victor Hugo, affinités musicales

Hasnaa Bennani, soprano
Marielou Jacquard, mezzo-soprano
Xénia Maliarevitch, piano

« Défense de déposer de la musique le long de mes vers ! » : une légende tenace attribue à Victor Hugo cette maxime aux airs de sentence irrévocable. Fort heureusement, l'interdit ne fut guère respecté par les musiciens… pour le plus grand plaisir des mélomanes ! Nombreux sont en effet les compositeurs que les mots de ce géant de la littérature romantique ont inspirés, comme en témoignent les sublimes mélodies de Gabriel Fauré, Georges Bizet ou encore Reynaldo Hahn. Portées par les voix enchanteresses de Marielou Jacquard et Hasnaa Benani, soutenues par l'intelligence musicales et la virtuosité de Xénia Maliarevitch, ces véritables joyaux musicaux côtoient ici des pages de Franz Liszt – ami proche de l'écrivain –, Felix Mendelssohn – romantique de la première heure, ébloui par Ruy Blas –, ou encore Johannes Brahms – autre géant du xixe siècle, dont la barbe fleurie n'est pas le seul point commun avec l'exilé de Guernesey…

Œuvres de Fauré, Bizet, Hahn, Liszt, Mendelssohn, Brahms…

Les artistes

Hasnaa Bennani

Voir en ligne : http://www.hasnaabennani.com/

« Comment ne pas apprécier la fraîcheur et la grâce de cette voix facilement émise, ce timbre clair et lumineux ? » Opéra Magazine

Soprano franco-marocaine, Hasnaa Bennani commence son parcours musical à Rabat auprès de sa soeur Jalila Bennani et Lazslo Fodor, son professeur de violon. Elle est diplômée du Conservatoire National de Musique et de Danse de Paris dans la classe de Glenn Chambers et se perfectionne en musique ancienne auprès d'Howard Crook et d'Isabelle Poulenard.

Hasnaa Bennani a remporté en 2011 le Premier Prix du Concours de Chant Baroque de Froville.

Elle collabore avec des formations aussi nombreuses et réputées que La Grande Écurie et La Chambre du Roy (Jean-Claude Malgoire), Le Poème Harmonique (Vincent Dumestre), Les Musiciens du Louvre (Marc Minkowski), Les Talens Lyriques (Christophe Rousset), Les Muffatti (Peter Van Heyghen), Le Concert Spirituel (Hervé Niquet), Le Palais royal (Jean-Philippe Sarcos), La Rêveuse (Benjamin Perrot et Florence Bolton), Les Ambassadeurs (Alexis Kossenko), Akadêmia (Françoise Lasserre)…

À l'opéra, elle a chanté le rôle d'Al-Faïma, dans Aben-Hamet de Dubois à l'Atelier Lyrique de Tourcoing, la Neige et le Printemps dans La Chouette Enrhumée de Gérard Condé à l'Opéra de Metz, une Nymphe des Eaux dans Armide de Lully à l'Opéra National de Lorraine, Cléone et une Ombre Heureuse dans Castor et Pollux de Rameau successivement avec Le Concert Spirituel au Théâtre des Champs Elysées et avec Les Talens Lyriques au Théâtre du Capitole de Toulouse.
Hasnaa Bennani forme un duo avec le claveciniste Laurent Stewart, avec lequel elle est invitée à chanter dans de prestigieux festivals (Festival de Saint-Michel-en-Thiérache, Sinfonia en Périgord, Festilva de Radio France et Montpellier…).
Citons aussi la création des Éléments de Destouches avec l'Ensemble Les Surprises. Elle a chanté avec beaucoup de succès le rôle d'Oberto dans Alcina de Händel avec l'Accademia Bizantina dirigée par Ottavio Dantone (Opéra de Monte-Carlo, Opéra Royal de Versailles, Halles aux Grains de Toulouse) aux côtés de Philippe Jaroussky, ainsi que le rôle de Belinda dans Dido and Aeneas de Purcell avec l'Atelier Lyrique de Tourcoing ainsi qu'au Théâtre des Champs-Élysées, sous la direction de Jean-Claude Malgoire et avec une mise en scène d'Andreas Linos, aux côtés de Nicolas Rivenq et Véronique Gens.

En juin 2016, elle fait également ses débuts au prestigieux Händel Festspiel de Halle (Allemagne) dans le rôle de Berenice de Scipione, sous la direction de George Petrou et avec une mise en scène d'Angela Saroglou, puis chante la Passion selon Saint Matthieu de Bach au Festival d'Ambronay.

En juin 2017, elle a été de nouveau invitée par le Festival de Halle pour chanter le rôle de Jaël dans Deborah de Händel avec la Capella Cracoviensis.
Elle participe peu après à Alcyone de Marin Marais (rôle d'Ismène) à l'Opéra Comique, sous la direction de Jordi Savall et dans une mise en scène co-signée par Cécile Roussat et Julien Lubek, production reprise ensuite à l'Opéra royal de Versailles.

Dans sa discographie, citons les Leçons de Ténèbres de Couperin avec Le Poème Harmonique (Alpha classics), Amadis de Lully (rôle de Corisande) et Zaïs de Rameau (rôle d'Amour) avec Les Talens lyriques (les deux enregistrements sous étiquette Aparté) un disque de cantates françaises (Rameau, Courbois) avec l'Ensemble Stravaganza (label Muso) et un disque d'airs d'opéra de Händel écrits pour Francesca Cuzzoni avec Les Muffatti (label Ramée).
Vient de paraître Germanico in Germania de Porpora (rôle de Cecina) aux côtés de Max Emanuel Cencic et Julia Lezhneva, avec la Capella Cracoviensis dirigé par Jan Tomasz Adamus, sous étiquette Decca.

Marielou Jacquard

Voir en ligne : https://www.marieloujacquard.com/

Jeune mezzo-soprano au timbre charnu et rare, Marielou Jacquard a étudié le chant lyrique à la Hochschule für Musik Hanns Eisler à Berlin dans la classe de Christine Schäfer.

Dès son plus jeune âge, alors à la Maitrise de Radio-France, Marielou se découvre une passion pour la scène lorsqu'elle interprète son premier rôle, Flora dans The Turn of the Screw de B. Britten à l'opéra de Dijon en 2002-2003. Puis elle joue l'Ange, aux côtés de Claire Lefilliâtre et Lisandro Abadie dans Ursule1.1 de Morgan Jourdain, mise en scène par Benjamin Lazare et dirigé par Geoffroy Jourdain au théâtre de Quimper.

En 2014, remarquée pour sa musicalité et son agilité vocale par le chef d'orchestre Wolfgang Katschner, elle interprète le rôle de Costanza dans Riccardo Primo de Händel, dans une production de la Lautten Compagney. C'est le début d'une affinité avec la musique baroque qui s'affirme tous les jours un peu plus. Cette même année, elle incarne le rôle de Nérone dans l'Incoronazione di Poppea de Monteverdi.

Artiste aux goûts éclectiques, Marielou s'investit aussi beaucoup dans la création contemporaine. Elle est invitée à se produire à la Tischlerei du Deutsche Oper Berlin ainsi qu'à la Werkstatt du Staatsoper Unter den Linden pour deux créations mondiales - My corporate Identity de Thierry Tidrow et Abstract Pieces de Manos Tsangaris. Elle est dédicataire de plusieurs pièces, notamment Le Coeur Crucifié, d'Héloise Werner.

Récemment, elle incarne avec tempérament le jeune Chérubin dans les Noces de Figaro de Mozart dans une tournée française d'Opéra Eclaté, la 3^e camériste dans Le Nain de Zemlinsky à l'opéra de Lille, de Rennes et Caen et Lady MacBeth dans une création du guitariste et compositeur Marc Ducret à l'opéra de Lille. Elle incarnait récemment le rôle d'Apollo dans Coronis avec le Poeme Harmonique, au théâtre de Caen et en tournée en France, et elle chante le rôle de Garcias dans Don Quichotte de Massenet à l'opéra de Tours.

Sa voix « très ancrée à l'assise large, avec une prosodie de conteuse, souple et articulée » (Charles Arden Olyrix) l'entraine enfin très naturellement vers l'art du récital. Elle participe à la promotion inaugurale de l'académie de Lied et Mélodie Orsay-Royaumont et donne de nombreux récitals au Musée d'Orsay, à l'auditorium du Petit Palais -Récital Jeunes Talents- et dans le cadre des Concertini de la Monnaie de Bruxelles.

Passionnée par le jeu d'acteur, elle incarne au théâtre les rôles de Sascha, amoureuse d'Ivanov dans la pièce éponyme de Tchekov, puis Hitler dans Germania de Heiner Müller à l'Académie des Arts de Berlin.

Lors de la saison 2020-2021, elle interprète le rôle de Junon dans Actéon de Charpentier dirigé par Geoffroy Jourdain dans un film réalisé par Benjamin Lazar et Corentin Leconte, disponible sur Arte. Elle participe à trois enregistrements d'album pour Alpha Classics et Harmonia Mundi : l'Egisto de Cavalli enregistré à l'Opéra Royal de Versailles et Coronis de Sebastian Duron, avec le Poème Harmonique de Vincent Dumestre d'une part, et un programme autour de la musique vocale de Schütz avec les Cris de Paris. Enfin, il est prévu que Marielou donne en concert less Fables de La Fontaine, dont nous fêtons en 2021 le 400 ème anniversaire, harmonisées par Offenba en juin 2021 avec l'orchestre de Picardie.

Xénia Maliarevitch

Xénia Maliarevitch découvre le piano à Saint-Petersbourg. De retour en France, après ses études au Conservatoire National de Région de Nancy couronnées par des médailles d'or de piano et de musique de chambre, elle est admise au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans la classe de Gérard Frémy et dans celle de Christian Ivaldi et Ami Flammer. Après avoir obtenu ses premiers prix de piano et de musique de chambre, elle se perfectionne auprès d'Ana Chumachenko, Joseph Silverstein, Jean-Jacques Kantorow et Pierre-Laurent Aimard.

Chambriste reconnue, elle remporte de nombreuses récompenses en formation sonate : elle est lauréate au concours de Guérande, puis aux concours internationaux de musique de chambre de Pinerolo en Italie, de Katherinholm en Suède ou Pierre Lantier à Paris.

Xénia Maliarevitch a donné de nombreux récitals en France, en Italie, en Suède, en Russie, en Allemagne. Elle s'est produite avec François Salque, Alexis Galpérine, Lise Berthaud, Patrick Messina....

En septembre 2014, elle sort son premier album (Rachmaninov/Kodaly) avec la violoncelliste Clara Zaoui chez Lyrinx.

Elle est également directrice artistique des Musicales de Redon.

Passionnée par l'enseignement, elle est actuellement professeur au Conservatoire de Poissy.

Émile Parisien / Vincent Peirani

Les musicales de la Vallée-aux-loups — 2020-10-03T21:05:01Z

« ABRAZO »

Émile Parisien, saxophone soprano
Vincent Peirani, accordéon et voix

Deux musiciens d'exception aux sources du tango argentin.

On ne parle que d'eux dans le milieu du jazz : à quarante ans à peine, l'accordéoniste Vincent Peirani et le saxophoniste Émile Parisien sont devenus des musiciens incontournables. Guidés par le même amour de la musique, ils se retrouvent régulièrement sur scène ou en studio pour des collaborations qui font toujours des étincelles. Après avoir rendu hommage aux musiciens et compositeurs de la Belle Époque, ils nous emmènent à la découverte du tango argentin !

De reprises de chants traditionnels (Astor Piazzolla) en créations originales, en passant par la relecture de thèmes incontournables (Temptation de Xavier Cugat), Vincent Peirani et Émile Parisien nous livreront leur propre vision du tango. Ce duo d'exception n'a pas son pareil pour nous transporter dans des ailleurs encore inexplorés. Un concert vibrant où l'on entendra battre le cœur de Buenos Aires !

« Les meilleurs ambassadeurs du jazz tricolore. » Le Parisien, 2018

« Un exemple rare d'amitié musicale. » France Musique, 2017

Interview de Vincent Peirani pour jazz magazine

Comment la musique est-elle arrivée dans votre vie, et pourquoi ce choix de l'accordéon ?

Mon père a fait de la musique en amateur dans sa jeunesse, et il a tout arrêté quand je suis né. Il travaillait à l'usine, et il avait un orchestre de bal qu'il faisait tourner le week-end et dans lequel il jouait de l'accordéon, de la guitare, du saxophone… Mais il n'a jamais pu en faire son métier. Sans faire de la psychologie de bazar, je pense qu'il a voulu vivre sa passion à travers moi, en m'incitant très tôt à faire de la musique et, comme tout petit garçon en adoration devant son papa, je me suis laissé faire. Au départ je lui ai dit que je voulais faire de la batterie, mais il a refusé, et c'est lui qui m'a imposé l'accordéon. J'avais à peine 12 ans et, franchement, pour moi ça été la tuile : l'accordéon je trouvais ça vraiment ringard. Mais il m'a forcé, fait travailler très dur, et je me souviens que pendant longtemps, chaque fois qu'il me mettait l'instrument sur les genoux, je pleurais. Finalement au bout d'un an de ce régime, il m'a dit : « Tu as bien bossé, tu vas pouvoir apprendre un autre instrument ! » Je pensais que j'allais enfin me mettre à la batterie, mais pas du tout, et il m'a mis une clarinette dans les mains ! Du coup, je suis entré au Conservatoire de Nice, et j'ai commencé à m'initier à la musique classique. Avec mon père, durant cette année d'initiation à l'accordéon, j'avais joué principalement du musette, mais là, via la clarinette, je découvre un autre monde, de la musique symphonique à la musique de chambre, et je prends une vraie claque. Mon père s'est rendu compte aussitôt de mon goût pour le classique et il m'a dit : « Mais tu sais qu'avec ton accordéon tu peux jouer aussi cette musique-là ? » Et il m'a amené voir un professeur qui s'est mis à jouer devant moi des pièces de Bach et Mendelssohn à l'accordéon. Et là, deuxième choc ! À partir de ce moment-là, j'ai arrêté de pleurer quand on me mettait l'accordéon dans les bras et je me suis mis à découvrir toutes les potentialités de l'instrument à travers cette musique-là.

Dans le champ de la musique savante occidentale, l'accordéon est quand même un instrument marginal…

En fait il y a un répertoire spécifique, mais extrêmement méconnu au-delà de la petite caste des accordéonistes, qu'on appelle le bayan. Ce sont des pièces contemporaines et des transcriptions de morceaux classiques. Moi, par exemple, j'ai toujours adoré jouer Mozart, Mendelssohn et Bach, ça m'a toujours parlé au plus intime. Mais le problème, c'est que c'est un petit milieu très fermé et qu'on se retrouve souvent à jouer seul. C'est pour ça qu'au conservatoire j'ai très vite essayé d'intégrer les classes d'orgue, de piano et de clavecin en essuyant beaucoup de refus, du fait de ma spécialité. Mais à force de les emmerder, ils ont fini par me faire une petite place et j'ai commencé à étudier des compositions pour d'autres instruments, sans qu'elles soient transcrites ou adaptées pour l'accordéon. Ça m'a beaucoup appris, en me faisant sortir de mes idiomatismes. Mais c'est indéniable que le choix de l'accordéon m'a placé très tôt dans une position de marginalité. J'ai toujours ressenti dans le regard des autres que ma place n'était pas légitime. Que je n'étais pas simplement différent mais “moins bien”. Dans le monde du classique, comme dans celui du jazz, un peu plus tard, quand je suis arrivé dans les jams avec mon accordéon, j'ai toujours dû faire le forcing pour m'imposer, ça n'est jamais allé de soi. Mais bon, j'ai toujours aimé les défis, la compétition, et je crois que ça m'a aidé à faire face quand j'aurais pu sombrer dans une sorte de dépression, à force de refus…

Vu la situation inconfortable dans laquelle il vous plaçait, qu'est-ce que vous lui avez donc trouvé à cet instrument pour persévérer ?

Je ne pense pas avoir jamais été un militant de l'accordéon. Ce qui s'est passé, c'est que j'aimais les musiques qu'on me proposait, cette possibilité de passer de la musique classique au flamenco, au jazz, etc. Je n'ai jamais rien cherché à prouver, sinon que j'étais un musicien, que c'était cet instrument que j'avais entre les mains, et que c'est à travers lui que je désirais m'exprimer. J'ai progressivement compris que l'accordéon, à travers la diversité de musiques qu'il était en mesure de véhiculer, me faisait du bien. Je me suis mis à aimer son contact. Ce n'est pas une légende, c'est un instrument qu'on embrasse, on le tient contre soi un peu comme un enfant, il y a quelque chose de très charnel, de très intime dans cette proximité. Et puis c'est un instrument très riche, très complet quand on l'explore, avec deux claviers, des registres comme sur un orgue. C'est fou ses potentialités, un véritable orchestre à lui tout seul ! Ce n'est pas pour rien qu'on le retrouve partout sur la planète, de la Chine à l'Europe de l'Est en passant par l'Amérique centrale. C'est un instrument nomade qu'on emporte partout, et qui à lui seul peut faire danser les gens, véhiculer plein d'histoires dans des humeurs très différentes. Il a une dimension réellement universelle.

Dans l'imaginaire collectif, l'accordéon demeure associé à la musique populaire, au folklore, à la chanson. Ce sont des genres que vous avez fréquentés ?

Absolument. Mon père m'a toujours dit : « Tu aimes le classique c'est une chose, mais tout bon accordéoniste doit faire du bal ! » Il m'a vraiment poussé à jouer le répertoire populaire, à le connaître, le maîtriser, l'aimer, à savoir faire danser les gens, et il y a un truc que j'ai conservé de ses habitudes c'est de parler de chanson et non de morceau, comme en jazz ou en classique… Du coup j'ai bien fait une demi-douzaine de saisons de balloche et j'ai trouvé beaucoup de plaisir à faire ça. Ça m'a fait totalement reconsidérer le répertoire du musette, qui a vraiment une image ringarde, mais à la vérité ce ne sont pas les chansons qui sont mauvaises, c'est la façon qu'on a eue de les interpréter pendant des années… Quand on l'extrait du folklore “gourmette, chemise ouverte et sourire crispé”, le musette est un genre à redécouvrir et, pour ma part, Aujourd'hui encore j'aime faire des bals à l'occasion. Parce que n'est pas facile de jouer cette musique-là correctement, c'est même tout un art. Et dans mon propre univers, j'aime introduire des formes empruntées à ces traditions, des valses, des tangos, pour me les accaparer et les transformer à ma manière… Moi qui suis un rat de conservatoire qui a passé un temps fou le nez dans ses partitions, ça fait aussi partie de mes références, au bout du compte, cette forme d'oralité. Ça m'a ouvert à d'autres dimensions de la musique en matière de phrasé et de sentiments.

Et quand découvrez-vous le jazz ?

A l'orée des années 2000. J'ai été très malade à cette époque, et j'ai dû arrêter la musique pendant presque trois ans. Un de mes copains venait régulièrement me voir à l'hôpital et de temps en temps avec des disques. Il m'apportait du classique, du rock, de la chanson, et un jour il est arrivé avec “You Must Believe In Spring” de Bill Evans et "L'eau de là" de Sixun. Et là, ça m'a mis littéralement par terre. J'ai d'abord écouté Bill Evans, et ça a été une claque encore plus forte que celle que j'avais reçue pour le classique. J'ai mis l'autre dans la foulée, même chose. J'ai appelé mon pote direct, et je lui ai demandé : « Les deux disques que tu m'as filés là, qu'est-ce que c'est ? » Évidemment il n'a pas compris ma question, il m'a répondu un truc du genre : « Bah c'est écrit dessus… – Non, ok, je veux dire : ce n'est pas du rock, ni du classique, qu'est-ce que c'est ? » Et là il est tombé de sa chaise : « Tu ne sais pas ce que c'est ?! Mais c'est du jazz ! » J'ai enregistré l'information, mais je ne l'ai pas laissé tranquille pour autant : « Du jazz ? Ok ! Mais lequel des deux ? – Eh ben les deux ! » Ça a été la révélation : que des musiques aussi différentes puisse relever d'une même catégorie, je trouvais ça fascinant. C'est comme ça que j'ai découvert ce à quoi pouvait bien ressembler le jazz dans toute sa diversité stylistique, et je me souviens m'être dit alors : « Si tu sors de tout ce pétrin et que tu refais de la musique c'est de ce côté-là qu'il faudra aller voir ! »

Les artistes

Emile Parisien

Un saxophoniste, musicien et compositeur de jazz.

Il rentre à l'âge de onze ans dans la première promotion du collège « Jazz » de Marciac, où il fait l'apprentissage de la musique auprès de musiciens confirmés comme Pierre Boussaguet, Guy Laffitte et Tonton Salut.
Au cours de ces années, Emile a la chance de côtoyer de grandes figures du jazz : Wynton Marsalis, Chris Mc Bride, Johnny Griffin ou Bobby Hutcherson lui donnent l'occasion de se produire auprès d'eux au festival de Marciac.

Il approfondit son enseignement à partir de 1996 en intégrant le Conservatoire de Toulouse, où il étudie la musique classique et contemporaine, avec notamment Philippe Lecoq.

En 2000, Emile Parisien s'installe à Paris. Depuis, il se produit en France et à l'étranger avec, entre autres, Daniel Humair, Michel Portal, Jean-Paul Celea, Jacky Terrasson, Claude Tchamitchian, Yaron Herman, Gueorgui Kornazov, Rémi Vignolo, Manu Codjia, Hervé Sellin, Christophe Wallemme, Paco Sery, Eric Serra, le Syndicate (Hommage à Joe Zawinul), Michael Wollny, Roberto Negro, Louis Sclavis, Jeff Mills …

En 2004, il participe à la création du spectacle HIP 11, mêlant jazz et danse hip-hop. Cette même année, il affirme son identité artistique en fondant avec Julien Touery, Sylvain Darrifourcq et Ivan Gélugne, Emile Parisien Quartet. Inspiré par les compositeurs du 20^e siècle comme par John Coltrane, Wayne Shorter ou Ornette Coleman, ce quartet donne un caractère expressionniste à sa musique, où prime l'improvisation.

Le quartet connait un changement avec l'arrivée de Julien Loutelier à la batterie et devient Double Screening. C'est une affirmation, une manifestation : celle de l'imagination fertile d'un musicien dont les partenaires sont en phase avec leur leader. Un funambule que ces dernières années ont confirmé comme une pièce maîtresse de la scène jazz européenne, dont il avait poussé la porte dès l'adolescence.

C'est au sein du quartet de Daniel Humair que Vincent Peirani et Emile Parisien se rencontrent, ils ouvrent ensemble pour la première fois une nouvelle page musicale en duo au festival A Vaulx Jazz en 2013. Depuis, outre le duo qui rencontre un immense succès en France mais aussi hors hexagone, ils ne se sont plus quittés. Multipliant les collaborations tant dans les formations de Vincent Peirani que dans celles d'Emile, ils se retrouvent en particulier dans le nouveau quintet du saxophoniste « Sfumato ».

C'est en octobre 2016 que le très attendu album « Sfumato » voit le jour. La presse européenne réserve un accueil de premier choix à ce disque, des 5 étoiles du Guardian au Choc Jazzmagazine en passant par la critique italienne ou suédoise ; confirmant ainsi la grande vitalité du jazz français en général et la force de la musique d'Emile Parisien en particulier.

Toujours à la recherche de sensations nouvelles, Émile Parisien abordera prochainement la formule du sextet. Ce nouveau projet, « Louise » paraîtra fin janvier 2022.

Vincent Peirani

Voir en ligne : https://vincent-peirani.com/

Vincent Peirani, l'accordéoniste que tout le monde s'arrache.

Comme toutes les musiques populaires, le jazz est une musique de fortes personnalités. La reconnaissance internationale de l'accordéoniste Vincent Peirani repose sur cette qualité essentielle, fondamentale. Son charisme musical, son imaginaire hautement singulier, la conception de son art, fruits d'un parcours sans œillères, frappent très tôt tous les esprits.

Vincent Peirani commence l'accordéon à l'âge de onze ans sous l'influence de son père musicien. À douze ans il entre au conservatoire de Nice où il commence une formation en musique classique et apprend à jouer de la clarinette.

Entre 1994 et 1998, il gagne d'importantes concours internationaux d'accordéon classique : concours international de Klingenthal (Allemagne), concours international de la CMA4 à Reinach (Suisse), concours international de Castelfidardo et Trophée mondial à Cassino (Italie), après lesquels il commence à se produire dans de nombreux festivals à travers l'Europe en tant que soliste. Puis il remporte le Premier prix en accordéon classique au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris en 1996.

Vincent Peirani s'installe à Paris en 2001 où il intègre le département jazz et musiques improvisées du CNSMD de Paris. Il rencontre des musiciens comme Daniel Humair et découvre une nouvelle palette de possibilités musicales incluant la musique classique contemporaine, la chanson et le jazz.

Sa plongée dans l'univers jazz se révèle d'emblée marquée du sceau de la réussite jusqu'aux couronnements aux Victoires du jazz en 2014, 2015 puis en 2019 pour l'album Night Walker.

Quel que soit le style, Vincent Peirani transforme tout ce qu'il touche en or : jazz bien sûr, mais aussi chanson française (Sanseverino, Les Yeux Noirs), musiques de film (compositeur pour le film Barbara de Mathieu Amalric en 2017), etc. Et le public suit, car à chaque prestation il place ses auditeurs dans une situation où l'évidence musicale (reprises inventives de thèmes connus) se trouve équilibrée au bienheureux inattendu, le savant tutoyant toujours le populaire, ce qui est précisément l'art des grands.

Celui qui a renouvelé complètement le langage de l'accordéon depuis maintenant dix années est à présent un artiste incontournable, l'un de ceux dont la vision musicale cosmopolite et décomplexée, le sens inouï des croisements et des couleurs, lui permettent d'apporter cette touche magique si rare et si précieuse.